En enero, el 2010 estrenó año y buenas ideas. Una tarde de aquel mes, en la casa de Jorge Luis Ramírez, él y otros fotógrafos descubrieron que llevaban 50 años en el arte de cazar instantes con las fotos.
Aquellos amigos tuvieron entonces la idea de organizar actividades durante el año, y así se han concretado seis conversatorios sobre fotografía artística. Ramírez invitó luego a colegas que desearan aparecer en un libro; 32 de ellos respondieron “sí”, y sus fotos constan hoy en el libro
Como las buenas ideas ya se conocen, una trae a otra, y de
Conversamos con Jorge Luis Ramírez, uno de los gestores del
Ramírez (San José, 1956) estudió Artes Fotográficas en el Santa Ana College (California). Ha realizado varias exposiciones en Costa Rica y es autor de cinco libros de fotografía:
Jorge Luis Ramírez ha impartido los cursos de historia de la fotografía y teoría de la imagen en la Universidad Creativa en San José.
–Primero debemos tener idea de qué se considera arte. El arte siempre ha estado asociado con lo bello, lo armonioso y aquello que eleva el espíritu: lo que tradicionalmente se consideraba artístico. El concepto de arte evolucionó en el siglo XX cuando se produjeron algunos de los cambios más radicales. Marcel Duchamp utilizó un objeto encontrado y lo llamó arte; nacieron entonces los “ready mades”.
”En sus inicios, la fotografía imitó a la pintura; incluso, muchos pintores usaron cámaras lúcidas o fotografías como material para sus pinturas. Esas fotografías pictorialistas replicaban la visión impresionista. En aquellos años también se desarrolló el retrato que fue intervenido con pintura para darle color y una apariencia de pintura por su connotación artística”.
–A partir de la década de 1960, en el mundo se afianza la idea de la conceptualización artística; así, la belleza ya no es lo más importante, sino que empieza a contar la idea que se expresa. Estos sucesos históricos nos han llevado a entender el trabajo artístico no solo como lo bello, sino como una propuesta o discurso. Este discurso no puede ser antojadizo, sino que es fruto de la reflexión y la investigación.
”La fotografía es un medio de comunicación, y, como tal, esperamos que nos diga algo. En nuestra sociedad, lo bello aparente ya no es suficiente; requerimos más: información, poesía, imaginación... La fotografía artística reúne características como las mencionadas.
”En la actual exposición podemos ver esa evolución: desde las fotografías bellas y armoniosas, hasta los discursos profundos y reflexivos que nos elevan el espíritu”.
–Hay dos razones principales. La primera es que la mayoría de sus hacedores están vivos y es importante reconocerles que ellos fueron los pioneros. La segunda es que ya se han perdido muchas fotografías de períodos anteriores debido a la falta de aprecio por estos documentos históricos y culturales, aunque todos reflejan y construyen nuestra identidad.
”El arte refleja nuestra manera de sentir y de pensar; con los retratos fotográficos, nuestro modo de ser y de vernos. La fotografía se convierte así en una referencia de lo sucedido en nuestras vidas.
”El hecho de que la fotografía congela el tiempo y vuelve un instante en eternidad, también es una característica importante de este medio misterioso y mágico.
–Fueron jóvenes fotógrafos como Adrián Valenciano, Mario Fernández Silva, Arturo Herrera, Rudolf Wedel, Víctor Vega, Jenaro Mora, Roberto González y Antonio Iglesias. Ellos surgieron en los años 60; se los conoció como el Grupo F6 y fueron una expresión sólida y viva. Hoy, solo algunos siguen trabajando, pero sus esfuerzos dieron frutos importantes, como la inclusión de la fotografía en los Salones Anuales y el inicio de cursos de fotografía en algunas universidades.
”Existen dos corrientes de pensamiento: la fotografía por medio de negativo y cuarto oscuro, y la generación de imágenes digitales. Algunos se atreven a decir que la fotografía ha muerto.
”Viniendo de una tradición de negativos y cuarto oscuro, creo que la generación de imágenes digitales es totalmente distinta. No me parece que se pueda hablar de que una sea más artística que la otra.
”La fotografía ha alcanzado niveles muy altos en belleza, profundidad de visión e interpretación de lo que vemos. Las imágenes digitales ofrecen mayores posibilidades de lenguajes complejos, que aún se investigan. La confusión se ha dado porque se ha imitado la fotografía con los medios digitales.
–No es un concepto mío. John Szarkowsky define la fotografía autobiográfica en su libro
”Adela Marín resume diciendo que la fotografía artística es “retratarse en el afuera”; es decir, el objeto de la fotografía pasa a segundo lugar, y lo que surge es el autor: ¿por qué escogió aquel sujeto, esta luz, tal composición, ese ángulo...?”.
–Yo hago una diferencia con la fotografía periodística del momento. La fotografía documental es producto del estudio y de la investigación de alguna situación que le interesa al autor. Como en un cuento, una novela o una película, el documental fotográfico es potencialmente bello, informador, y puede despertar una respuesta emocional profunda en el espectador. Claro, también puede ser entretenida y que estimule la imaginación.
”El virtuosismo de cada autor, su dedicación y su pasión por el trabajo, marcarán la diferencia entre un documental fotográfico artístico y otro que nos resulte aburrido e intrascendente”.
–Sí, pero no aficionados simplemente, sino
–No existe la fotografía machista, sino machistas que hacemos fotografía. Recordemos el machismo de los años 50, cuando el hombre no podía expresar sus sentimientos, cuando era más importante la fuerza, y la autoridad del cabeza de hogar era incuestionable. Esto ha ido cediendo frente a una revolución propiciada por el movimiento de la liberación de la mujer.
”Por eso, al inicio de los años 60 vimos que, aunque eran hombres con una gran sensibilidad, los fotógrafos seguían los valores tradicionales establecidos en Inglaterra por la Real Sociedad Fotográfica. Esta propiciaba el uso del blanco y negro, sobre el color, considerado expresión de mal gusto practicada por indígenas, pueblos subdesarrollados y mujeres.
”Sin embargo, hubo muchas más mujeres que hicieron fotografía que las mencionadas en los libros de historia. Además, se ignoraron los trabajos mortuorios, que ellas hacían al preparar los retratos de los difuntos rodeados de bordados hechos con los cabellos de los muertos, ya que la sola imagen fotográfica no era suficiente para recordarlos.
–Yo no diría discursos ideológicos como tales, pero sí vemos la ideología imperante reflejada en las propuestas, y de cierta manera se plantean alternativas. Tal es el caso de Karla Solano, quien propone una liberación del sistema en el que vivimos. Ella plantea una búsqueda de identidad propia, de independencia y autonomía desde un punto de vista femenino que abarca todo el abanico humano.
–El cambio más notable se puede ver en el trabajo de Adrián Valenciano, quien en 1973 publicó el libro
”Su segundo cuerpo de trabajo,
–El desnudo masculino es uno. Aunque el desnudo masculino era un tema en la antigua Grecia, hoy parece estar prohibido. En esta exposición no hay toda la cantidad de desnudos que fotografían los artistas, mas por lo menos se verá algo de este autopermiso que nos damos: fotografiar el cuerpo del hombre. Esto es muestra de un proceso de liberación de los hombres por mostrarse más humanos e imperfectos, y por dejar de lado el deber imitar a
–Sí. La fotografía europea y la norteamericana se han interesado por temas que van más acordes con sociedades víctimas de un consumismo que no conoce límites; sociedades que afrontan un gran vacío existencial, un sinsentido de la vida. En América Latina –México, Cuba, Brasil, Argentina y otros países– hay una fotografía que plantea una búsqueda de identidad, luego de sufrir décadas de inestabilidad política. En Costa Rica nos ha interesado el ser humano. Este ha sido el centro de la atención desde los retratos de Jenaro Mora y los indigentes de Valenciano, y aun en las fotos de naturaleza de Mayra Bonilla.
”En muchas colecciones fotográficas sobresalen esos procesos de crecimiento y transformación. En