Arte

Se hizo la luz

  Líneas maestras El arte de Rembrandt se nos revela en 48 grabados exhibidos en los Museos del Banco Central

La historia nos lo recuerda con la familiaridad de su nombre de pila: Rembrandt. Suya fue la belleza naturalista del barroco holandés. Domó la luz y la sombra, convocó a multitudes dentro de sus cuadros y se volcó obsesivamente en los detalles.

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El viernes anterior se abrió al público la exhibición Grabados de Rembrandt , en los Museos del Banco Central (bajos de la Plaza de la Cultura en San José). Las 48 obras que componen esta muestra forman parte de una colección itinerante del Museo Casa de Rembrandt, de Holanda.

Alejandra Triana, funcionaria de la curaduría de artes visuales de las salas, afirma que la producción de grabados de Rembrandt fue muy prolífica: hizo alrededor de 290. Aunque hoy se lo conoce más por sus pinturas, en su tiempo era popular por sus grabados; al ser obras en papel, podían viajar y difundirse más fácilmente que sus telas.

“La calidad del detalle de las obras nos dice que estos no fueron bocetos ni estudios; eran obras terminadas”, explica Triana.

Potencia. El genio de Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) prosperó en un lugar y un momento óptimos: la República de los Siete Países Bajos Unidos del siglo XVII.

Esa región, conocida hoy como Holanda, conquistó su autonomía política tras la rebelión de sus pobladores contra los reyes españoles a principios del siglo XVII. Asimismo, la situación geográfica de Ámsterdam favoreció el flujo marítimo de mercancías, lo cual convirtió a la ciudad en una potencia mundial. Estas circunstancias ayudaron a la aparición de una muy fuerte clase comerciante y urbana (burguesa).

“Los niveles de vida eran relativamente altos, y un cliente de los artistas podía ser un panadero, mientras que, en Italia, los principales clientes de los artistas provenían del clero y de la realeza”, precisa Triana.

Como un aporte del barroco holandés, la experta reconoce que artistas como Rembrandt promovieron la separación entre los géneros pictóricos y dieron a todos una importancia semejante. Esta variedad se observa en los Grabados de Rembrandt .

Temas. En la muestra están muy presentes las escenas bíblicas. Recordemos que quienes dominaban el dogma religioso en la Holanda de Rembrandt eran los protestantes calvinistas, por lo cual la imaginería religiosa estaba ausente en los templos. Sin embargo, las obras eran compradas para exhibirlas en los hogares.

Su grabado más famoso es Cristo predicando (1634-1649), el cual gozó de gran popularidad en su época. Esta obra –conocida como la “estampa de los cien florines”– resume los rasgos distintivos de Rembrandt: la vestimenta de los personajes es ecléctica, hay un formidable uso del claroscuro, la composición muestra unidad a través de la luz y hay una meticulosa expresividad en los rostros de los personajes a pesar de ser una obra pequeña (278 x 388 mm).

El retrato y el autorretrato fueron otros de los géneros visitados por el holandés. Además de los encargos de sus conciudadanos, Rembrandt retrató mucho a su familia, a sus amantes y a su hijo.

Muchos de sus retratados lucen ropas exóticas, las cuales formaban parte de una ecléctica colección de objetos raros y grabados que conservaba el artista.

En el catálogo del Museo Casa de Rembrandt, se explica que el artista conoció el trabajo de sus predecesores y sus contemporáneos por medio de las imágenes de su colección.

“En su composición y su iconografía, muchos de sus grabados revelan la influencia de renombrados maestros del arte gráfico, entre ellos Lucas van Leyden, Alberto Durero, Annibale Carracci”, expone.

Otro de sus temas fue las “escenas de género”, las cuales correspondían a estampas de la vida cotidiana: por ejemplo, retratos de campesinos, mendigos y gitanas. “Las escenas de género de Rembrandt muestran tipos [tipologías de personajes], antes que la realidad de su ambiente”, se comenta en el catálogo.

En la muestra se explora también el género paisajista, en el cual el autor trabajaba la monumentalidad con cuidadoso detalle. En cuanto a las naturalezas muertas, la exposición solamente ofrece la obra Caracola (1650).

Se muestran además una sola alegoría en la obra Fausto (1652) y una serie de desnudos. En cuanto a estos últimos, el catálogo consigna: “Revela las fallas e imperfecciones del cuerpo humano, particularmente cuando son comparadas con la idea clásica de la belleza, en la que la perfección física y las proporciones perfectas constituían la clave”.

El cuadro de la vida de Rembrandt también muestra claros y oscuros, bellezas e imperfecciones. La ruina económica fue una marca sórdida en su biografía; los escándalos amorosos le hicieron segunda. Sin embargo, de este ser humano perdura una obra prodigiosa. Adelante, maestro: muéstrenos su luz.